Dire avec le corps

Dans le cadre d’un travail thématique et filmique de certains extraits, nous avons eu recours à l’approche utilisée par le théâtre forum. Certains extraits (avec des passages intergénérationnels conflictuels) ont été visionnés et dans un deuxième temps, l’extrait a été interrompu à un moment clef puis rejoué par les élèves, l’objectif étant d’essayer de trouver un sens partagé de valeurs communes. Le théâtre forum est une technique qui a été élaborée dans les années 60 par le brésilien Augusto Boal48 qui a travaillé dans les favelas de Sao Paulo qui s’inscri t dans le théâtre de l’opprimé, ainsi comme nous l’avons vu dans notre cadre théorique, l’élève passe par le corps pour comprendre.

Pour le scénario 1, les élèves ont travaillé avec un chorégraphe. L’atelier danse a été dirigé par Max Diakok, danseur-chorégraphe et fondateur de la compagnie Boukousou. Max Diakok est né en 1959 à Pointe-à-Pitre en Guadeloupe. Il explore la danse contemporaine en puisant dans le Gwoka qui est une danse d’exutoire crée à l’époque de l’esclavage. La place de la mémoire

48_{Le principe en est que les comédiens improvisent puis fixent une fable de 15 à 20 minutes sur des thèmes}

illustrant des situations d'oppression ou des sujets problématiques de la réalité sociale, économique, sanitaire d'une communauté. Ils vont ensuite la jouer sur les lieux de vie de la communauté à qui est destiné le message. À la fin de la scène, - dont la conclusion est en général catastrophique - le meneur de jeu propose de rejouer le tout et convie les membres du public à intervenir à des moments clé où il pense pouvoir dire ou faire quelque chose qui infléchirait le cours des événements. Il s'agit d'une technique de théâtre participative qui vise à la conscientisation et à l'information des populations opprimées d'une façon ou d'une autre. Le théâtre forum s'utilise ainsi beaucoup auprès des populations non alphabétisées dans les projets de développement en pays du Sud (par exemple en Inde, au Rajasthan, au Bengale et au Mahārāshtra), mais est aussi en usage dans les pays développés pour soulever des problèmes de société

corporelle est très importante dans ses créations. Son travail artistique s ’enracine et se réinvente perpétuellement. Comme nous l’avons souligné dans le chapitre 3, ce qui est intéressant d’un point de vue transculturel, c’est que Max Diakok construit à partir de souvenirs, de mots, de pensées et des corps :

Si le point de départ de ma démarche artistique est la Guadeloupe, la création artistique et l’interaction avec des publics divers n’ont eu de cesse de me conforter dans la nécessité d’une parole généreuse au-delà des frontières. Cette quête d’une parole essentielle s’adressant à l’être humain, quel qu’il soit et où qu’il soit, n’est pas antinomique avec une recherche esthétique se développant à partir des fondamentaux d’une gestuelle héritée de l’esclavage. Pour terminer, j’aimerais faire mienne cette citation du poète martiniquais Aimé Césaire : « Il y a deux manière de se perdre : par ségrégation menée dans le particulier ou par dilution dans l ’universel ». Ma conception de l’universel est celle d’un universel riche de tout le particulier, riche de tous les particuliers, approfondissement et coexiste nce de tous les particuliers49 _».

La présence de Robyn Orlin en résidence au Centre National de la Danse à Pantin et sa création sont à l’origine du projet danse. Tout d’abord, de par son parcours personnel, l’histoire de Robyn Orlin est intéressante d’un point de vue transculturel. Elle est née de parents juifs qui ont fui l’Europe de l’Est pendant l e nazisme, elle a ensuite migré en Afrique du Sud où elle a mené un combat anti apartheid et l’on retrouve dans ses œuvres un combat politique et esthétique. C’est une artiste engagée qui dénonce les discriminations raciales entre les Noirs et les Blancs. Le travail de Robyn Orlin permet de faire l’expérience de phénomènes sociaux au travers de la danse. Les élèves sont amenés à une prise de conscience de la multicanalité sensorielle par laquelle les danseurs expriment des émotions dont les élèves s’imprégneront et transformeront dans leur propre production .

Ce qui est également très intéressant dans les créations de Robyn Orlin et qui a motivé une approche par la danse pour les élèves, c’est le rôle actif du spectateur qui devient aussi acteur le temps des pièces (Sanou, 2008, p.86).

Comme le souligne, le danseur et chorégraphe, Salia Sanou, à travers ces pièces Robyn Orlin :

(…) raconte avec un humour ravageur des histoires graves qu’elle situe dans un contexte esthétique et visuel très fort. Jouant en permanence sur le décalage, la danse surgit là où elle n’est pas attendue, entre performance, théâtre et installation, relevant des arts plastiques. « Il n’y a pas une façon de faire l’art, ni une seule façon de bouger, mais des milliers », résume Robyn Orlin dont l’inventivité et la liberté lui ont d’ailleurs valu le surnom d’Irritation Permanente (ibid., p.70).

Pour le scénario 2, l’atelier théâtre a été mené par Dario Costa, comédien Australien de La Compagnie Drama Ties. Dario Costa est également metteur en scène et professeur de théâtre. En 1992, il immigre en France et poursuit ses recherches en s’inscrivant à l’Ecole Internationale de Théâtre Jacques Lecoq. Dans sa formation et son travail auprès des élèves, l’improvisation est cruciale. Les élèves ont rencontré Dario Costa en janvier. Ils ont travaillé des fondamentaux de l’improvisation. Au cours de l’atelier d’écriture que j’ai mené, les textes n’ont pas été distribués en intégralité au comédien. Par contre tout au long de l’atelier théâtre, ils ont travaillé autour de l’improvisation à partir de situations improvisées évoquées dans leurs pistes d’écriture50_.

50 _{Par exemple, la relation amoureuse et les interdits parentaux ont été travaillés à travers l’improvisation dans} des espaces-temps différents. Au moyen-âge en France, aux Etats-Unis dans une famille de cow-boys au 19eme siècle, etc.