PROFAC. L ART DU XXe SIÈCLE I. LES AVANT-GARDES ( ) PROFAC - 1

Texte intégral

(1)L’ART DU XXe SIÈCLE. O FA. C. C’est à la seconde moitié du XIXe siècle qu’apparaît le concept de la modernité grâce à l’avènement de l’industrialisation, des progrès scientifiques et techniques. Les expositions universelles permettent aux grandes puissances de se mesurer et de montrer au monde leurs avancées techniques. Dans le domaine de l’art, le changement est perceptible à commencer par le statut de l’artiste. Devenu indépendant, sans le soutien du pouvoir séculier et religieux, l’artiste est libre du choix de ses sujets. Il représente ce qu’il voit, ce qui l’entoure, il témoigne, et avec les acquis du Romantisme est à l’écoute de ses sentiments qui participent d’une expression artistique personnelle. Il n’y a plus de sujets nobles comme au temps de l’Académie royale de peinture et de sculpture avec la hiérarchie des genres. Édouard Manet, Auguste Renoir et d’autres de leurs contemporains peignent ce qu’ils voient (Renoir, Bal du Moulin de la Galette, 1876, représentant la foule venue se détendre dans un bal populaire de Montmartre). Les usines, les ouvriers, la vie citadine et quotidienne sont les nouveaux sujets des peintres, à l’unisson des romans de Zola et de Maupassant pour la modernité célébrée par Baudelaire. La rupture avec l’académisme sera progressive jusqu’à l’indépendance acquise de haute lutte par les Impressionnistes. Depuis le XVIIe siècle, se tenait chaque année le Salon de peinture et sculpture organisés par l’Académie royale de peinture et sculpture. Les artistes exposaient leurs travaux jugés par un jury composé des membres de l’Académie. Cette institution incontournable était le passage obligé pour la reconnaissance d’un peintre ou d’un sculpteur. Recevoir une médaille garantissait le succès, assurait de futures commandes et la pérennité d’une carrière. En réaction contre une censure qui rejetait d’authentiques artistes, le Salon des Refusés est créé par ceux-là même qui étaient refusés par le jury. Ce sera un salon sans jury. Manet présente Le Déjeuner sur l’herbe qui fait scandale pour sa représentation de deux femmes nues en plein air (modèles ?) déjeunant en compagnie de bourgeois habillés, le regard d’une des femmes directement dirigé vers le spectateur.. PR. À la fin du XIXe siècle le rôle du Salon officiel est remis en cause et les commandes ne sont plus le fait de l’Académie. Première émancipation des artistes et de nouveaux salons indépendants sont créés. Le XXe siècle incarne véritablement le modernisme et l’avant-gardisme dans le domaine des arts. Le Museum of Modern Art de New est le premier musée d’art moderne créé, il est inauguré en 1929. En France, il faut attendre 1947 avec l’ouverture du Musée national d’art moderne à Paris. Tout au long du siècle, les mouvements artistiques et avant-gardistes se succèdent se voulant plus novateurs et radicaux que ceux auxquels ils succèdent.. I.. LES AVANT-GARDES (1891-1914). En 1903, est créé le Salon d’Automne au Petit Palais. Pluridisciplinaire (la photographie y est présentée pour la première fois) il est ouvert à de jeunes artistes débutants. Les Impressionnistes (qui les premiers représentent la vie quotidienne et transcrivent leurs impressions fugitives en peinture, quittent leur atelier pour peindre en plein air), désormais respectés et célébrés par la critique et le public exposent régulièrement dans ce salon. L’impressionnisme serait-il devenu un nouvel académisme ?. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 1.

(2) Henri Matisse (1869-1954), Luxe, calme et volupté, 1904. Musée d’Orsay. O FA. C. Le titre est emprunté aux vers de Charles Baudelaire dans les Fleurs du Mal (1857). En 1863, le poète avait publié L’artiste et la vie moderne où il exalte la beauté moderne. Toute la toile est peinte par touches fragmentées de la brosse du pinceau (pointillisme), couleurs pures employées, non mélangées ou diluées. Matisse cherche l’harmonie par la couleur, oppose les verticales et les horizontales.. • Le Fauvisme. PR. Le fauvisme incarne la première révolution plastique du XXe siècle. En 1905, lors de la 3ème édition du Salon d’Automne qui se tient dès lors au Grand-Palais à Paris, le salon bascule vers le modernisme. Une salle attire toute l’attention et provoque la fureur des critiques et du public. Le président de la République refuse même d’inaugurer l’événement comme c’est la tradition, depuis le Grand Siècle (XVIIe siècle). La salle 7 présente les œuvres de jeunes artistes alors inconnus : Henri Matisse, Charles Camoin, Henri Manguin, Albert Marquet, Maurice de Vlaminck, André Derain… Choqué par les couleurs crues et pures employées sans harmonie, le critique Louis Vauxcelles s’exclame : « c’est Donatello chez les fauves ! ». Le classicisme est pour lui violé par la violence des contrastes des couleurs non mélangées, précisément pour une sonorité nouvelle de la palette. Si les sujets des œuvres restent classiques (portraits, paysages), les coups de brosse sont volontairement apparents sur la toile et laissent supposer un métier non maîtrisé alors que la composition reste équilibrée et juste dans son cadrage. Même incompréhension avec les pigments employés directement sur le support sans atténuation ou mélange des couleurs, sans liants, tandis que d’épais cernes noirs soulignent les ovales des visages et délimitent les autres éléments de la composition. Autant de nouveautés considérées comme « les plus abracadabrantes productions des brosses en délire », du « bariolage informe ». La Femme au chapeau de Matisse suscite toutes les railleries. Le fauvisme puise son influence dans trois sources : - Le néo-impressionnisme (fragmentation de la touche, espace bidimensionnel et donc absence de perspective ; fond et sujet tendent à se superposer) - Paul Gauguin (pour la forme et la sculpture, intérêt de l’art primitif) - Vincent Van Gogh (prédominance de la couleur sur la forme). PROFAC - https://www.artherapie.com/. 2.

(3) C. Henri Matisse (1869-1954), La Femme au chapeau, 1905. MoMA, New York. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Portrait d’André Derain, 1906 Metropolitan Museum, New York. O FA. Les collectionneurs américains Gertrude et Leo Stein achètent la Femme au chapeau. Le marchand Ambroise Vollard présente les Fauves dans sa galerie.. • Le Cubisme. Près de deux ans après le scandale fauve, le cubisme apparaît comme une nouvelle révolution. Comme les Fauves, les Cubistes refusent l’héritage impressionniste. Rupture totale avec l’espace perspectif hérité de la Renaissance. Ils privilégient l’éclatement de la forme au détriment de la couleur et emploient des matériaux non nobles (papier journal, sable, papiers collés, ficelle…) De 1907 à 1914 Georges Braque et Pablo Picasso sont les pionniers d’une expérimentation plastique qui rejette tout l’héritage classique de la Renaissance et du monde gréco-latin. Leurs recherches restent confidentielles, ils n’exposent pas dans les salons mais dans des galeries privées (Kahnweiler), où les remarquent des collectionneurs comme les Stein. Leur référence est Paul Cézanne qui traite la nature, la composition par sphère, tubes, cylindres…. PR. → Trois périodes dans le cubisme : - Période pré-cézanienne ou pré-cubiste (1907-1909) avec une influence très forte de l’art africain et la simplification des objets représentés. En juin-juillet 1907, Picasso peint Les Demoiselles d’Avignon (ancien titre Le Bordel philosophique), scène de maison close. Deux influences majeures dans cette œuvre : l’art ibérique (simplification des formes, ovale des visages, yeux en amande) et l’art africain et océanien découvert dans les salles océaniennes du musée ethnographique du Trocadéro (asymétrie du visage). À l’été 1906, Picasso avait passé l’été à Gosol en Espagne où il découvre la sculpture ibérique archaïque. C’est ainsi qu’il adopte un certain primitivisme dans son travail, simplification des formes.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 3.

(4) C. Pablo Picasso (1881-1973), Les Demoiselles d’Avignon, 1907. MoMA, New York. O FA. En écho aux Demoiselles d’Avignon de Picasso, Braque réalise son Grand nu en 1908. L’on retrouve la même distorsion anatomique, la monumentalité des volumes du corps humain, les yeux en amande cernés de noir, le visage simplifié au maximum, ovale comme un masque africain, suppression de tout ce qui est inutile à la représentation des volumes (arrière-plan descriptif, détails corporel), la palette chromatique est également réduite.. PR. Georges Braque (1882-1963), Le Grand Nu, 1908. Collection particulière, Paris. -. Période du cubisme analytique (1909-1912), analyse et déconstruction radicale des objets.. Pablo Picasso, Portrait de Daniel-Henry Kahnweiler, 1910, The Art Institute of Chicago.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 4.

(5) Abandon du point de vue unique, étude des volumes sous différents angles perspectifs. La forme et le fond se dégagent d’un plan presque homogène dans la chromie. La compréhension de ce qui est représenté devient difficile, seul le titre donne des indices comme certains détails de la composition (mains, oreilles, nez…) Période du cubisme synthétique (1912-1914), tentative de retour au « réel », les formes sont moins fragmentées et plus géométriques.. O FA. C. -. Pablo Picasso, La Bouteille de vieux marc, 1913. Centre Georges-Pompidou, Paris. Par la peur de tomber dans l’abstraction, Braque et Picasso se tournent vers l’introduction d’éléments plus descriptifs. Emploi du pochoir, utilisé par les peintres en bâtiment, mais aussi d’éléments de la vie quotidienne (toile cirée, ficelle, bois…). Le collage apparaît en 1912. Et introduction de lettres ou de fragments de mots permettant de comprendre la présence d’un journal (JOU) ou d’une bouteille d’alcool. Référence au réel.. PR. À ces trois périodes, nous pouvons ajouter un autre cubisme, l’orphisme, apparu lors de l’exposition de la Section d’Or en 1912 et dont nous devons l’appellation au poète Guillaume Apollinaire. En référence à son poème Orphée, Apollinaire veut ainsi distinguer les œuvres cubistes qui donnent une importance majeure à la couleur et à la lumière. Les principaux représentants de l’orphisme sont Robert et Sonia Delaunay, Francis Picabia, Fernand Léger.. Robert Delaunay, L’Équipe de Cardiff, 1913, huile sur toile, 326 x 208 cm. MNAVP.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 5.

(6) En 1912, Albert Gleizes et Jean Metzinger publient Du Cubisme dans une tentative d’expliquer et de répondre aux critiques. De nombreux autres artistes suivront les théories cubistes : André Lhote (qui ouvrira une académie où il enseignera toute sa vie), Juan Gris, Henri Le Fauconnier…En 1913, Léger publie son Essai sur les origines de la peinture contemporaine et sur sa valeur représentative.. • Le Futurisme. O FA. C. Mouvement constitué en Italie en 1909, initié par le poète Marinetti. Le groupe publie un manifeste, n’a pas de programme artistique mais une idéologie définie par la glorification du danger, la beauté incarnée par la vitesse, l’exaltation du présent et de l’avenir et l’éloge de la guerre et de l’anarchisme. Les futuristes se présentent comme un nouvel ordre qui veut réformer la société selon leurs valeurs. En 1912, se tient la première exposition futuriste à la galerie Bernheim-Jeune, les sujets sont modernes et sont influencés par le cubisme et le divisionnisme. Les artistes emploient des matériaux du quotidien.. Luigi Russolo, Dinamismo di un’automobile, 1912-1913. Centre Pompidou, Paris.. Giacomo Balla, Dynamisme d’un chien en laisse, 1912. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.. PR. Pour la première fois dans l’histoire de l’art, la théorie (manifeste futuriste) prédomine la pratique. La touche divisionniste est encore présente. Dans Dynamisme d’une automobile, Russolo, démultiplie l’effet de vitesse de la voiture, emploi de couleurs froides, représentation analytique du mouvement.. • Die Brücke (1905-1913) – Die Blaue Reiter (1908-1912). Au début du XXe siècle en Allemagne, se créent des salons indépendants (sécessions) en opposition au conservatisme, au naturalisme et à l’impressionnisme. Le groupe Die Brücke (Le Pont) est fondé en 1905 par Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) à Dresdes dans la volonté de se tourner vers l’avenir tout en puisant ses sources dans la modernité. En révolte contre la société bourgeoise et politique, Die Brücke revendique l’art primitif et la gravure allemande du XVe siècle. Un manifeste est publié en 1906. Kirchner avait lui aussi découvert à Dresdes la statuaire africaine qui le marque, il simplifie les formes du visage dans ses compositions et ses sculptures en bois. En 1908, Die Brücke découvre les Fauves à Dresdes. À la différence des Fauves, Die Brücke témoigne d’une certaine nostalgie, du drame, de l’angoisse de l’époque. En 1913, Kirchner dissout le groupe.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 6.

(7) C. Ernst Ludwig Kirchner, Autoportrait au modèle, 1910. Kunsthalle, Hambourg.. O FA. L’artiste se représente en robe de chambre, en train de peindre son modèle, on comprend qu’ils vivent ensemble. Le groupe Die Brücke vivait en communauté et les artistes du groupe s’échangeaient leurs modèles.. PR. Die Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) est emmené par Vassily Kandinsky (1866-1944) et Franz Marc (1880-1916). Fondé à Munich, le groupe considère que l’art élève l’homme et agirait comme une spiritualité. Les artistes du groupe sont liés par une conception commune de l’art, ils prônent la retraite de l’artiste dans une spiritualité. Seul Kandinsky basculera dans l’abstraction. Le groupe se compose également de August Macke, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, Gabriele Münter,. Vassily Kandinsky, Avec l’arc noir, 1912. Centre Pompidou, Paris. • L’avant-garde russe et le suprématisme. Au début du XXe siècle, la Russie connaît de grands bouleversements artistiques hérités de la révolution de 1905. Il y a une volonté de faire table rase du passé, la Russie se tourne vers l’Europe mais l’éclatement de la Première Guerre mondiale mettra un frein à ces échanges. Le collectionneur Ivan Morosov commande des œuvres à Bonnard et Matisse et Sergeï Chtchoukine collectionne les œuvres des artistes français. En 1908, l’exposition « La Toison d’or » présente plus de 200 œuvres modernes françaises et permet la confrontation entre l’avant-garde russe et occidentale. Larionov, Natalia Gontcharova du groupe Valet de Carreau, représentent les paysans, les petits métiers, les arts populaires et traditionnels. Se qualifient de néo-primitivistes.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 7.

(8) Mikhail Larionov, Le Boulanger, 1909, hst, 107 x 102 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. O FA. C. Natalia Gontcharova, La Ronde, 1910, huile sur toile. Musée d’art et d’histoire de Serpoukhov.. Kasimir Malevitch, Quadrangle noir ou Carré noir sur fond blanc, 1915. Galerie Tretiakov, Moscou.. Malevitch expose cette toile à l’exposition « 0,10 » en décembre 1915 à Saint-Pétersbourg. En publiant Du cubisme et du futurisme au suprématisme, le nouveau réalisme pictural, il explique sa démarche : de la reproduction du réel à la production du réel. Il enlève toute rationalité à la peinture, supprime la représentation d’objets et élimine toute référence à la nature. Il veut ainsi montrer la prédominance de la peinture non-objective sur la peinture du passé.. PR. • Constructivisme (1915-1932). En 1922, se tient l’exposition « Les Constructivistes », un art qui se veut matérialiste. Vladimir Tatline expose à « 0,10 » un Contre-relief fait de divers matériaux assemblés. Il abandonne la peinture de chevalet et fait prédominer une construction géométrique de la composition de l’œuvre. Alexandre Rodtchenko recherche un art technique, il supprime tous les moyens traditionnels utilisés par le peintre. Présente ses Noir sur noir en réponse à Malevitch.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 8.

(9) Alexandre Rodtchenko, L’Escalier, 1929, photographie.. C. Vladimir Tatline, Monument à la Troisième Internationale, maquette originale, 1919.. O FA. Symbole de toutes les recherches constructivistes : avènement d’une nouvelle société communiste, volonté d’égalité entre toutes les classes sociales, emploi de matériaux comme l’acier et le verre. Ce projet de monument imaginé pour changer la vie du peuple ne verra jamais le jour.. • De Stijl (1917-1931). PR. De Stijl est le nom d’une revue qui paraît de 1917 à 1931 à la mort de Theo Von Doesburg. En 1918, la revue publie son manifeste et Piet Mondrian apparaît comme le chef de file. Les influences du groupe qui recherche l’harmonie universelle sont les théories théosophiques et la philosophie de Spinoza. Mondrian applique les théories divisionnistes et la planéité de l’espace pictural. Lorsqu’il est à Paris entre 1912 et 1914, il découvre le cubisme. À son retour en Hollande, il tente de créer des paysages par des lignes verticales, il n’est pas satisfait car n’aboutit pas à la planéité. Il refuse alors la symétrie qui n’existe pas dans la nature. L’abstraction géométrique et l’emploi radical des couleurs primaires se veulent modèle pour la société.. Piet Mondrian, Compositie met groot rood vlak, geel, zwart, grijs en blauw, 1921. Gemeentemuseum, La Haye.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 9.

(10) II.. L’ART D’ENTRE LES DEUX GUERRES (1915-1944). • Le Bauhaus. O FA. C. École d’architecture et d’arts appliqués ouverte en 1919 à Weimar par l’architecte Walter Gropius. Il s’agit de la fusion des écoles d’art de Weimar en une seule. La figure marquante est Johannes Itten qui prône la créativité de chaque élève, il sera ensuite remplacé par László Moholy-Nagy, proche du suprématisme et du constructivisme. Itten est rejoint par Theo Van Doesburg qui donne des cours privés. La formule de Gropius pour l’école est « l’art et la technique, une nouvelle unité », dans son programme il entend « former une seule communauté d’artisans sans cette distinction de classes qui élève une barrière arrogante entre artisans et artistes. Concevons et créons ensemble le nouvel édifice de l’avenir, qui embrassera dans l’unité de l’architecture, la sculpture, la peinture, et qui sera élevé un jour vers le ciel par les mains de millions de travailleurs, symbole de cristal d’une nouvelle foi. » En 1925, l’extrême-droite pousse le Bauhaus à déménager à Dessau, Gropius est en charge de sa construction. Il en reste le directeur jusqu’en 1927, remplacé par l’architecte suisse Hannes Meyer qui sera remplacé en 1930 par Ludwig van der Rohe. En 1933, les nazis ferment le Bauhaus.. Bauhaus, Dessau, conçu par Gropius.. PR. • Le « retour à l’ordre ». À la fin de la Première Guerre mondiale, certains artistes ont l’envie de revenir à un idéal classique et à la grande tradition académique. Représentation de la figure et du corps humain, abandon de l’emploi de couleurs pures… Parallèlement Charles-Édouard Jeanneret dit Le Corbusier et Amédée Ozenfant imaginent un monde d’après la Grande Guerre où ordre et harmonie seraient mis en avant. Le « retour à l’ordre » se retrouve aussi en sculpture avec Paul Belmondo, Paul Landowski ou encore Auguste Janniot.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 10.

(11) • Dada. C. André Derain, Arlequin et Pierrot, vers 1924. Musée de l’Orangerie, Paris. Paul Belmondo sculptant en taille directe. Musée Paul-Belmondo, Boulogne-Billancourt. PR. O FA. Le mouvement Dada naît en 1916 à Zurich autour du poète Hugo Ball entouré d’autres artistes qui refusent la guerre (Tristan Tzara, Hans Arp…). Ils se retrouvent au Cabaret Voltaire et y organisent des soirées poétiques et littéraires. Le mot Dada a été choisi au hasard, en ouvrant un dictionnaire. Dada est présent dans plusieurs villes, Berlin, Hanovre, Cologne, Paris. Présent dans tous les domaines de la création, poésie, dessin, littérature, théâtre, peinture, Dada remet en cause toute la tradition et les moyens d’expression, il critique les valeurs sociales et politiques qui ont mené à la Première Guerre mondiale. Dada rejette la tradition occidentale et ses valeurs pour des cultures n’ayant pas encore été détruites et perverties par la civilisation occidentale, d’où l’intérêt pour l’Afrique.. Otto Dix, Les Joueurs de cartes, 1920. Neue Nationalgalerie, Berlin Bertola). John Heartfield, Nach Zwangzig Jahren, 1934. Musée de Strasbourg. (Photo ©Mathieu. • Le Surréalisme Les futurs surréalistes se qualifiaient de dadaïstes. Marcel Duchamp explique : « en 1919, quand Dada battait son plein, et que nous démolissions beaucoup de choses, Mona Lisa est devenue la première victime1 ». En octobre 1924, André Breton publie le Manifeste du Surréalisme et en donne 1. Marcel Duchamp, Duchamp du signe, 1994.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 11.

(12) O FA. C. la définition suivante : « automatisme pur, par lequel on se propose d’exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre façon, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique et morale. » Breton se réfère à la pensée de Freud et Marx en voulant valoriser ce qui sort de la norme sociétale : érotisme, folie, magie, bizarrerie, étrangeté, mystère… Pour parvenir à ce résultat, une part importante est laissée au hasard. Ainsi les « cadavres exquis », dessin et écriture automatiques, prise de psychotropes, place du rêve, dessin au sable et à la colle pour Masson… La production du groupe est autant littéraire que plastique.. PR. Le groupe surréaliste encadre la reproduction d’une œuvre de Magritte. La Révolution surréaliste, n°12, 1929.. Max Ernst, L’Ange du foyer. Le Triomphe du Surréalisme, 1937, huile sur toile, 114 x 146 cm. Coll.privée. Les artistes du groupe : André Breton, Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, Paul Éluard, Man Ray, Benjamin Peret, Tristan Tzara, Antonin Artaud, Yves Tanguy… En 1929, Breton publie le Second Manifeste du Surréalisme et exclut du groupe Artaud et Masson.. Luis Buñuel, Salvador Dali, Un Chien andalou, 1929. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 12.

(13) III.. L’ART DEPUIS 1945. Après la guerre, le rapport aux catégories artistiques est renouvelé, les avant-gardes ont remis en question ces catégories traditionnelles.. • La Seconde ou Nouvelle École de Paris. O FA. C. Sous l’Occupation, en France, certains artistes veulent renouer avec la tradition du Moyen-Âge et de l’art roman en opposition au néo-classicisme et à l’art gréco-romain érigés en modèle par le régime de Vichy. En 1941, la galerie Braun organise l’exposition « 20 jeunes peintres de tradition française » (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Jean Bertholle, Jean Le Moal…), héritiers du fauvisme et du cubisme dans l’héritage de la grande peinture : la modernité dans la tradition. À la Libération, la Seconde ou Nouvelle École de Paris permet de faire de la ville la place internationale des Arts, qui est la sienne. Toujours Ville lumière pour Chagall, Paris est le lieu incontournable de la modernité, les artistes viennent du monde entier pour vivre et travailler à Paris, se confronter aux maîtres du passé et ceux toujours vivants, hautement considérés après la guerre (Picasso, Léger, Braque…) Comment continuer de peindre après les horreurs de la guerre, la Shoah ? Quelle modernité après la guerre ? Abstraction ? Figuration ? Le débat fait rage et deux courants s’opposent : les tenants de l’abstraction (géométrique ou lyrique) et la figuration.. PR. ABSTRACTION GÉOMÉTRIQUE, vers 1950 L’abstraction géométrique poursuit les recherches avant-gardistes. Considérée comme une « abstraction froide » à cause des couleurs froides employées (bleu, vert, noir…) en opposition à l’abstraction chaude représentée par l’abstraction lyrique (geste libéré sur la toile, explosion des couleurs…) En 1950, Jean Dewasne et Edgard Pillet ouvrent à Paris l’Atelier d’Art Abstrait. L’ouverture fait polémique et notamment pour le critique Charles Estienne, fervent défenseur de l’abstraction lyrique, qui y voit l’apprentissage d’un dogme. Il écrit le pamphlet L’Art abstrait est-il un académisme ? Auguste Herbin (1882-1960) travaille sur un « alphabet plastique » par la correspondance des couleurs, des formes et des lettres entre elles.. Auguste Herbin, Vendredi 1, 1951, huile sur toile, 96 x 129 cm. Centre Pompidou. Jean Dewasne (1921-1999), artiste de la galerie Denise René qui défend résolument l’art abstrait géométrique, emploie la peinture industrielle sur ses toiles (des laques glycérophtaliques employées pour les carrosseries de voiture) et l’isorel. Ses sculptures sont composées de tôles de voitures ou de motos.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 13.

(14) O FA. C. Jean Dewasne, Incantation malgache, 1961, peinture glycérophtalique sur toile, 132 x 226 cm. Courtesy Christies.. Aurélie Nemours, Au Commencement I, Le Point, 1959-1989, huile sur toile, 130 x 97 cm. Aurélie Nemours (1910-2005) veut faire transparaître une certaine spiritualité dans ses toiles, l’intérêt pour la matière et les formes prime.. PR. ABSTRACTION INFORMELLE Terme donné par le critique Michel Tapié. L’artiste laisse libre cours à son imaginaire, ne bride ni son geste ni ses pensées. Pierre Soulages (né en 1919) et Hans Hartung (1904-1989) en sont les pionniers. Soulages ne travaille que le noir (avec l’emploi du brou de noix). Ses titres sont descriptifs : médium, dimensions, année et les tableaux sont numérotés par ordre de création.. Soulages, Brou de noix sur papier, 65 x 50 cm, 1948-1. Centre Pompidou.. Hartung, Pas-72, 1948, pastel et fusains sur papier, 48 x 73 cm. © Fondation Hartung-Bergman.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 14.

(15) O FA. C. ABSTRACTION LYRIQUE L’abstraction lyrique ou informelle laisse la primeur au geste. Définie par Georges Mathieu (19212012), l’abstraction lyrique doit supprimer trois références : celle à la nature, à une esthétique et à un modèle. Mathieu va plus loin en disant que « le signe précède le sens ». Il projette la peinture pure, parfois directement à partir du tube, directement sur la toile dans un geste vif, irréfléchi, sur une surface monochrome. Il n’a aucune idée préconçue avant de commencer l’œuvre. Il peint parfois en public, sorte d’happening avec le public.. Le Pape Clément V couronné à Lyon, 1958, huile sur toile, 90 x 150 cm. Courtesy galerie Alexis Lartigue, Paris.. Jean Degottex explore du côté du signe calligraphique.. Degottex, Aware I, 1961, huile sur toile, 200,5 x 349,5 cm. Centre Pompidou. PR. Le titre de l’œuvre vient du zen japonais « mono no aware » qui signifie le sentiment provoqué par l’impermanence des choses.. • L’École de New York. L’art américain s’impose dès les années 1940 mais l’on considère que c’est au milieu des années 1960 que Paris cède sa place de capitale des arts à New York. L’École de New York est alors incarnée par deux mouvements : l’action painting et le color field. ACTION PAINTING Jackson Pollock (1912-1956) invente en 1947, le dripping, l’action de projeter sur la toile à terre de la peinture industrielle avec un bâton ou un récipient percé, abandonnant le traditionnel pinceau du peintre et la peinture sur chevalet. La toile all over, est entièrement occupée par la peinture.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 15.

(16) C. Pollock ©Hans Namuth. O FA. Rythme d’automne (No30), 1950, émail sur toile, 267 x 527 cm. Met NY. PR. Willem de Kooning (1904-1997), série des Women. Il offre une représentation violente de la femme. Dans un même tableau, il projette tous ses souvenirs de femmes. La bouche est l’élément de départ du tableau.. Woman and Bicycle, 1952-1953, huile sur toile, 194 x 124,8 cm. Whitney Museum of American Art.. Robert Motherwell (1915-1991) explore la confrontation entre la couleur noire et blanche et cette confrontation a lieu sur des toiles monumentales. Entre 1948 et 1967, il travaille à sa série Elegy to the Spanish Republic, une centaine d’œuvres, une « lamentation ou chant funéraire » après la guerre d’Espagne.. Elegy to the Spanish Republic, 108, 1965-1967. MoMA.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 16.

(17) O FA. C. COLOR FIELD PAINTING Color field painting est un terme employé par le critique Clement Greenberg pour parler de la peinture de Mark Rothko et Barnett Newmann. La primauté est donnée à la couleur qui doit transmettre le ressenti, le sentiment d’une époque, d’un vécu par le biais d’une expérience métaphysique. Les artistes du Color Field veulent transmettre des expériences universelles. Vers 1947, Rothko abandonne toute référence pour aller vers l’universel, il travaille la monumentalité et les couleurs de valeurs proches. La peinture est une expérience pour le spectateur, il est happé par la toile et les couleurs. Il s’agit presque d’une expérience physique.. Mark Rothko, No 13 (White, Red and Yellow), 1958, huile, acrylique, pigments sur toile, 242 x 206,7 cm. Met NY,. Newman. Onement I, 1948. MoMA. En 1948 dans Onement I, Barnett Newman garde une toile rouge en l’état et y ajoute son zip peint. Dès lors, il garde ce type de composition scindée par un zip, une ligne verticale qui coupe l’espace pictural en deux.. • Les néo-dadas. PR. Dès 1955, Robert Rauschenberg (1925-2008) et Jasper Johns (né en 1930), précurseurs du Pop Art et qualifiés de « néo-dada », réalisent des œuvres en utilisant des images populaires. En plusieurs séries (Flags, Targets, Numbers, Maps…) Jasper Johns dépersonnalise le sujet par la répétition de l’œuvre en série et l’emploi de l’encaustique (la peinture est mélangée à de la cire fondue et donne à la toile un aspect mat et cireux) pour supprimer la sensation de profondeur. La surface de la toile se confond avec les éléments collés sur elle. En 1953, Rauschenberg se fait donner un dessin par Willem De Kooning qu’il efface en partie avec une gomme, Erased De Kooning Drawing. Il efface la figuration d’un dessin du seul artiste de l’expressionnisme abstrait à n’avoir pas renoncé à la figure humaine. Dès 1954, il assemble des objets réels sur son support (combine painting) pour explorer le « trou » entre l’art et la vie. Il s’agit d’une « combinaison » entre l’art et la vie.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 17.

(18) • Le Pop Art. Robert Rauschenberg, Bed, 1955, 191 x 80 cm. MoMA. C. Jasper Johns, 0 through 9 (Numbers series), 1961, huile sur toile, 137,2 x 104,8 cm. Tate, UK.. PR. O FA. En 1962, a lieu l’exposition « The New Realists » à New York. Cet art nouveau se définit comme un nouveau folklore urbain par la mise en avant de l’image et de l’objet. Les artistes recourent à des objets trouvés, à la reproduction, à une imagerie triviale qui jusqu’alors ne se rattache pas aux catégories traditionnelles des beaux-arts.. Andy Warhol, Campbell’s Soup Can, 1962, polymère sur 32 toiles de 50,8 x 40,6 cm. MoMA. Warhol (1928-1987) explique avoir représenté le repas qu’il mangeait chaque jour pendant vingt ans, la soupe Campbell en conserve. Warhol dit vouloir « être une machine » en créant des œuvres à l’aide de pochoirs. Sa démarche radicale bouscule l’establishement artistique en brouillant les pistes : mélange de sujets représentant des stars ou figures mondialement connues (Marilyn Monroe, Mao, Elizabeth Taylor…), l’œuvre d’art est unique ou reproduite en quantité industrielle, copie et appropriation d’une œuvre (Mona Lisa détournée et déclinée en plusieurs couleurs) … L’œuvre d’art est ainsi désacralisée. Roy Lichtenstein (1923-1997) peint d’abord des scènes de l’univers américain dans un style inspiré par Picasso avant de détourner des images de comics, de publicités et de catalogues de vente. Sa technique reste la même : il projette ses images sur une toile en les agrandissant et remplit les formes mécaniquement de pointillés.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 18.

(19) C. Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963, huile et acrylique sur toile, 171 x 169 cm. MoMA. O FA. Claes Oldenburg (né en 1929) crée des sculptures et des tableaux inspirés par la culture populaire. Il réalise aussi des installations monumentales avec ces objets du quotidien. En 1961, il loue un local à New York où il expose ses objets du quotidien qu’il vend comme si c’était un magasin, The Store. Ses sculptures représentent des plats populaires américains (hamburgers, glaces, sundae, frites..), en matière plastique (mousse) et monumentales.. PR. Pastry Case, 1 (from The Store), 1961-1962.. Floor Burger, 1962, toile remplie de mousse et peinte.. • Le Nouveau Réalisme. Le Nouveau réalisme naît le 27 octobre 1960. La déclaration est signée par les artistes Yves Klein, Arman, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques de la Villeglé, François Dufrêne, Raymond Hains et Martial Raysse avec l’appui du critique Pierre Restany qui organise des expositions et écrit sur eux. Plus tard, César, Christo, Gérard Deschamp, Mimmo Rotella et Niki de Saint Phalle les rejoint. Le groupe veut proposer de « nouvelles approches perspectives du réel ». Pierre Restany, le critique du groupe, analyse leur démarche et définit un constat plutôt qu’une critique ou une revendication. Les Nouveaux Réalistes veulent représenter le réel et celui-ci se trouve dans les objets du quotidien qu’ils s’approprient, ils veulent révéler au public des œuvres d’art qui existent déjà à l’état brut. Le groupe existe et expose collectivement entre 1960 et 1963. Hains (1926-2005) et Villeglé (né en 1926) s’approprient les affiches publicitaires dans la rue et le métro. Dès 1949, ils récupèrent les affiches dans la rue, décollent les affiches des panneaux publicitaires, lacérées, usées par le temps. La superposition des couches d’affiches les intéresse.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 19.

(20) Jacques de la Villeglé, Boulevard Saint-Martin, 1959, 222 x 252 cm, affiches lacérées sur toile. (Courtesy Sotheby’s). O FA. C. Spoerri (né en 1930) fixe les restes d’un repas sur une table (« tableaux-pièges »).. Daniel Spoerri, Tableau piège, 22 avril 1972, 71 x 71 x 31 cm, accumulation d’objets dans une boîte de plexiglas. Courtesy Sotheby’s.. PR. Arman (1928-2005) et Deschamps accumulent des objets triviaux. Christo emballe des objets puis des monuments.. Arman, La Vie à pleines dents, 1960, 18 x 35 x 6 cm, accumulation de dentiers. Centre Pompidou, Paris. Yves Klein se consacre à la monochromie, notamment le bleu (IKB : International Klein Blue, breveté en 1960). Il recherche une couleur qui donne l’impression d’un pigment pur en poudre. Il peint au rouleau qui rappelle la peinture en bâtiment. Dès 1955, il expose des monochromes de couleurs différentes. Il veut dématérialiser le réel en s’appropriant différents objets. Il réalise des Anthropométries, empreintes de corps de femmes nues peintes à l’IKB et qui se posent sur la toile sous la direction de l’artiste. Le modèle devient un pinceau vivant, l’artiste ne touche plus la peinture ni le pinceau.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 20.

(21) Yves Klein, Anthropométrie de l’époque bleue, 1960. ©The Estate of Yves Klein/Adagp, Paris.. • Fluxus. O FA. C. Mouvement apparu au début des années 1960 sur tous les continents et brasse aussi bien l’art vidéo que la performance, la musique, la littérature, arts plastiques… Fluxus se veut l’héritier des dadaïstes, de Duchamp et de John Cage prône l’accès à l’Art à tout le monde. Désacralisation de l’œuvre et de l’institution qui la présente. Allan Kaprow met en place des happenings (performance de l’artiste et interaction avec son public).. PR. Nam June Paik, La Monte Young’s Composition 1960 #10 (to Bob Morris) performé par Nam June Paik pendant le festival international Fluxus à Wiesbaden en septembre 1962.. Allan Kaprow, happening, 1967, Pasadena Art Museum.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 21.

(22) • Art minimal Autre tendance qui se développe dans les années 1960-1970 et qui rejette l’héritage de l’expressionnisme abstrait. Recherche de formes simples et intérêt pour le procédé industriel. À partir de 1965, des critiques emploient différentes appellations pour parler de l’art minimal : ABC Art, cold art, primary structure. - Simplicité des formes - Systématisme - Organisation sérielle. O FA. C. L’art minimal a pour racines : - le constructivisme russe dans son rapport de l’œuvre à l’espace - le suprématisme pour sa perception simple - Marcel Duchamp et ses ready-made. Abandon de l’unicité pour qu’un objet soit une œuvre d’art. - Brancusi. Matériaux et formes élémentaires utilisés.. Tony Smith, Die, 1962, acier, 182,9 x 182,9 x 182,9 cm.. PR. National Gallery of Art, Washington DC.. Robert Morris, Wall Hanging, feutre découpé suspendu, 1969-1970. Centre Pompidou.. • Post-minimalisme ou Anti-form. Terme défini en 1971 par le critique Robert Pincus-Witten en réaction à l’art minimal considéré comme trop conventionnel. Les artistes du post-minimalisme utilisent des matériaux fragiles, simples et éphémères. Eva Hesse, Bruce Nauman, Richard Serra, Lynda Benglis, Joel Shapiro… Chaque œuvre est réalisée pour un lieu bien défini (notion de site specific).. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 22.

(23) • L’Arte Povera. Eva Hesse, Addendum, 1967, papier mâché, bois, corde, 124 x 302 x 206 cm, Tate UK. ©Estate Eva Hesse, Hauther & Wirth, Zürich.. C. Richard Serra, Belts, 1966-67, caoutchouc, Gugg, NY. PR. O FA. Post-minimalisme italien. Le terme est dû au critique et historien de l’art Germano Celant en 1967 qui organise l’exposition « Arte Povera. Im Spazio » à la galerie La Bertesca à Gênes. 12 artistes, pas de manifeste. Dépouillement volontaire pour atteindre la vérité. Les artistes emploient des matériaux organiques et simples. Janis Kounellis (1936-2017), Mario Merz (1925-2003), Giuseppe Penone (né en 1947), Giovanni Anselmo (né en 1934), Michelangelo Pistoletto (né en 1933)…. Giuseppe Penone, Retourner ses propres yeux, 1970. Lentilles de contact opaques qui forment de petits miroirs. Ne voit plus.. Janis Kounellis, Sans titre, 2000, installation, 13 lits d’hôpital militaire, couvertures militaires, acier. Courtesy Galerie Karsten Greve.. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 23.

(24) L’on peut rapprocher les artistes de l’Arte povera de ceux du Land Art ou Earth Art qui créent des œuvres avec des matériaux organiques et/ou éphémères par l’endroit où elles sont installées (Spiral Jetty de Robert Smithson, 1970). • L’art conceptuel Les œuvres de l’art conceptuel existent par leur concept. Les artistes réfléchissent à ce qu’est une œuvre d’art, abandonnent la peinture. La réalisation de l’œuvre a ensuite peu d’importance.. O FA. C. Dès 1962, Robert Morris (1931-2018) jette les bases de l’art conceptuel avec Card Files, tiroir métallique, monté sur une planche de bois, dans lequel sont classés des fiches triées par ordre alphabétique. Ces fiches décrivent toute l’élaboration de l’œuvre. L’artiste américain Sol LeWitt (1928-2007) écrit en 1967 son manifeste « Paragraphs on Conceptual Art » dans lequel il explique que l’œuvre d’art doit être appréhendée dans un tout et où l’idée de l’œuvre, du concept prime : « l’idée elle-même, même si elle n’est pas réalisée visuellement, est autant une œuvre d’art que n’importe quel produit fini ».. John Baldessari, I Will Not Make Any More Boring Art, 1971.. PR. Joseph Kosuth, Five Words in White Neon, 1965.. Lawrence Wiener, 1975. Après l’art conceptuel, l’art du XXè siècle ne connaît plus l’avènement de nouveaux courants artistiques. L’histoire de l’art ne s’écrit pas encore pour l’art du XXIè siècle. À la chute du Mur et à. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 24.

(25) l’éclatement de l’URSS et de ses satellites, le monde artistique se retrouve bouleversé même si les États-Unis restent les meneurs d’un art devenu « marché ». Il faut aujourd’hui noter l’émergence de nouvelles scènes artistiques (Chine, Inde, golfe persique), longtemps boudées par une histoire de l’art occidentalo-centrée.. PR. O FA. C. Clotilde Scordia – Historienne de l’Art. PROFAC - https://www.artherapie.com/. 25.

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